viernes, 6 de enero de 2017
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 78 - ESPECIAL MAURIZIO BIANCHI PARTE 1
Hay figuras que con el paso del tiempo, la pujanza de nuevas escenas que retoman el pasado y artistas seminales de aquella época, vuelven a ganar presencia al aparecer en muchas de las reseñas de estos artistas o al citar sus influencias. Una de esas personalidades que nos ha ido acopañando estos años ha sido la del italiano Maurizio Bianchi. Sus técnicas y obras, han estado presentes en la estructuración del lenguaje desde músicos que pivotaban en la oscuridad ambiental y un sonido decadente como los que han buscado esa sombra la década pasada desde el noise y el drone experimental hasta las continuas derivaciones que nos llevan a la cruzada con rítmica techno desde Sandwell District, pasando por Vatican Shadow y ese largo etcétera que retoma postulados de la primera etapa de la música industruial. De hecho, Fernow es quizás uno de los artistas presentes que ha sabido interpretar mejor los patrones de Bianchi, como gesto la reedición en 2007 en su sello Hospital de uno de sus discos emblemas de la primera época como “Symphony for Genocide” , orginalmente publicado en 1981. Un gran número de artistas que podrían tener cabida en estas comparaciones, aunque es el momento de sondear sus huellas con mayor profundidad para tomar una perspectiva mucho más apropiada de su figura.
Bianchi nació en 1955 en la norteña Pomponesco, una comuna en la provincia de Mantova, y comenzó su andadura en una etapa marcada por el punk y la música disco, culturas también presentes en Italia (como no recordar el italo-disco). Momentos económicos y sociales confusos y donde se vió envuelto por las premisas de una generación que trataba de reaccionar ante una visión inhumana y conformista. Esta fracturación y respuesta entendida según Bianchi, se traducía en una música cuyo espíritu deambulaba entre la desintegración sonora para alcanzar su sello distintivo y personal, alejándose de los grandes canales de comunicación y el trato de la música como producto capaz de ginerar ingresos económicos por encima de cualquier otra consideración artística. Sus primeros experimentos musicales nunca llegaron a ser documentados y según él, se trataban de experimentaciones con guitarra acústica de cuyos recuerdos tan solo prevalecen en lo que él denomina su “arcaica memoria”. Aunque admite tener entre sus gustos la música beat, sonoridades decadentes, cósmicas, el punk, electro-pop o el ruido, revela interés por facetas más experimentales y electroacústcias del momento, aunque tampoco se confiesa seguidor de los estandartes propios de la época como Reich, Young o Riley. Se confiesa atraido por los trabajos de Pierre Henry, Schaeffer y Luc Ferrari, aunque las similitudes con ellos las define como “coincidencias degenerativas”.
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 77 - ESPECIAL PAULINE OLIVEROS
La compositora, acordeonista y pensadora estadounidense Pauline Oliveros, nombre clave en la música experimental de la segunda mitad siglo XX y teórica de la “escucha profunda” (deep listening), murió el 25 de noviembre de 2016 a los 84 años.
Mujer de enorme influencia en generaciones posteriores, que tradujeron sus hallazgos al pop o la electrónica, hizo valer hasta el final el credo que condujo su existencia desde principios de los años 60. “Escucha todo el tiempo y sé consciente de cuando no lo estés haciendo”.
Fue en aquella década cuando Oliveros firmó una brillante página de la vanguardia de un siglo convulso como parte del San Francisco Tape Music Center, donde creció creativamente acostumbrada a “ser la única mujer en un entorno de hombres”. Aquel centro, que llegó a dirigir, fue fundado en 1962 por Morton Subotnick y Ramon Sender (hijo del exiliado autor español del mismo nombre). Oliveros coincidió en aquellos días con otros grandes de la música contemporánea como Terry Riley, Loren Rush o Steve Reich.
En “estudios de electrónica mucho más aparatosos que los de ahora” trabajó durante la plena efervescencia de la ciudad californiana con un puñado de osciladores, primitivos cacharros e inventos como el Buchla, uno de los primeros sintetizadores, creado en el centro. “No nos enteramos mucho de la revolución hippie hasta que los grupos de rock empezaron a visitarnos para conocer los avances tecnológicos que podían incorporar a su música”, dijo Oliveros a este diario.
En Nueva, una vez abandonada la docencia, se instaló a principios de los ochenta para convertirse en “una compositora freelance y por tanto eternamente arruinada”. “Es un paisaje demasiado bonito como para perdérselo”, dijo en Montreal para justificar, aunque la caída del sol amenazaba, su negativa a aceptar de Red Bull un transporte más cómodo.
Nacida en Houston (Texas) en 1932, fue su madre, profesora de piano de amplias miras, quien le compró con nueve años su primer acordeón; la niña había sucumbido a la moda del instrumento surgida tras el final de la Segunda Guerra Mundial por influencia de aquellos que volvieron del frente. “Mi recuerdo más vívido de la contienda es el de mi padre dejándonos solas en casa. Le reclutaron como guardacostas”.
A los 16, la joven decidió que quería ser compositora y con tal fin se fue a California. Rápidamente se hizo con un magnetófono y empezó a experimentar con cinta. Tras sus años en el San Francisco Tape Music Center aceptó a finales de los sesenta un puesto en la Universidad de San Diego, donde desarrolló sus teorías sobre la experiencia de escuchar.
Dos textos fundamentales para entender su estética datan de esa época. En el primero, The Poetics of Environmental Sound (la poética del sonido ambiental), escrito para una revista de musicología canadiense, Oliveros anota todos los sonidos que advierte en un dado espacio de tiempo. “Deseo el silencio, pero nunca se da”, escribió.
El segundo texto lo publicó The New York Times en 1970. Titulado No la llames mujer compositora, contiene reflexiones como esta: “Aún es cierto que a menos que sea excelente, la mujer en la música siempre estará subyugada”. Ambos artículos están reunidos en la colección de ensayos Software for People, aún sin traducción al español.
En los años ochenta, Oliveros abundó en su trabajo con el Expanded Instrument System, que propone un diálogo humano con las nuevas tecnologías, y alumbró la teoría del Deep Listening (escucha profunda), surgida tras una actuación en el interior de una enorme cisterna de uso militar que permitía una reverberación de 45 segundos. De aquella experiencia, registrada en disco en 1989, nació la banda del mismo nombre y el Deep Listening Institute, que aboga por la escucha atenta en un tiempo distraído.
Su obra temprana, recogida por Important Records en el cofre Reverberations: Tape and Electronic Music (1961-1970), ha sido objeto de una reivindicación en los últimos años. Su última aparición pública en Europa se dio en el festival holandés de música Le Guess Who? a mediados de este mes. La noticia del fallecimiento fue difundida por la flautista Claire Chase y confirmada por amigos cercanos en las redes sociales.
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 75 - ESPECIAL MORTON SUBOTNIK
Morton Subotnick (born April 14, 1933, in Los Angeles, California) is an American composer of electronic music, best known for his Silver Apples of the Moon, the first electronic work commissioned by a record company, Nonesuch.[1] He was one of the founding members of California Institute of the Arts, where he taught for many years.[2][3][4]
Subotnick has worked extensively with interactive electronics and multi-media, co-founding the San Francisco Tape Music Center with Pauline Oliveros and Ramon Sender, and often collaborating with his wife Joan La Barbara.[5] Morton Subotnick is one of the pioneers in the development of electronic music and multi-media performance and an innovator in works involving instruments and other media, including interactive computer music systems. Most of his music calls for a computer part, or live electronic processing; his oeuvre utilizes many of the important technological breakthroughs in the history of the genre.
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 74 - ESPECIAL PIERRE HENRY
Pierre Henry (9 de diciembre de 1927, París) es un músico francés considerado como el creador, junto con Pierre Schaeffer, de la llamada música concreta y uno de los padrinos de la música electroacústica.
Nunca fue a la escuela, sus padres contrataban educadores que lo visitaban en su casa. Luego comenzó sus estudios en el Conservatorio de París, donde estudió piano y percusión con Félix Passeronne, composición con Nadia Boulanger y armonía con el maestro francés Olivier Messiaen.Entre 1949 y 1958, Henry trabajó en París en el Club d'Essai de la Radio Televisión Francesa (RTF), fundado por Pierre Schaeffer. Durante este periodo compuso su pieza de 1950 "Symphonie pour un homme seul" en colaboración con Schaeffer. También compuso la primera pieza de música concreta que apareció en una película comercial, el cortometraje de 1952 "Astrologie ou le miroir de la vie".Henry ha compuesto música para numerosas películas y ballets. Uno de sus trabajos más conocidos es la obra experimental de 1967 "Messe pour le temps présent", una de las varias colaboraciones con el coreógrafo Maurice Béjart, en la cual aparece su conocida pieza "Psyche Rock", la cual ha sido remezclada por Fatboy Slim en 1997 y adaptada en 1999 por el compositor Christopher Tyng para la serie "Futurama". Esta misma melodía sirvió como sintonía del popular programa de TVE "Estudio abierto" presentado por José María Iñigo entre 1969 y 1975.Pierre Henry es una pieza clave en el desarrollo de la música concreta, al convertirse en el primer músico con educación formal totalmente volcado en la creación de música con medios electrónicos.
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 73 - ESPECIAL IANNIS XENAKIS
Iannis Xenakis
(Braila, Rumania, 1922 - París, 2001) Compositor y arquitecto francés de origen griego, creador de la llamaba música estocástica. Nacido en el seno de una familia acomodada de raíces griegas, se educó en Grecia, donde formó parte de la Resistencia comunista durante la Segunda Guerra Mundial, y en diciembre de 1944 fue herido de gravedad en el ojo izquierdo por un disparo de obús.
Tras titularse como ingeniero en el Instituto Politécnico de Atenas, su actividad política lo forzó a pasar a la clandestinidad, siendo condenado a muerte. Exiliado a París en 1947, fue durante doce años el principal colaborador del arquitecto Le Corbusier, con quien proyectó el pabellón Philips para la Exposición Internacional de Bruselas (1958). Simultáneamente, se interesó por la composición musical y estudió en el Conservatorio de París (1950-1952) bajo la dirección de O. Messiaen, siendo también alumno de Milhaud, Honeggen y Scherchen.
En 1954, con la composición de Metastasis, inició sus experiencias en el campo de la música estocástica, donde los intérpretes (en su mayoría, de instrumentos tradicionales) han de leer una partitura producida sobre la marcha por un ordenador programado por el compositor. Siguieron luego Achorripsis (1958), para 21 instrumentos, Atrées (Hommage à Blaise Pascal), para diez instrumentos, y Morsima-Amorsima, para cuatro instrumentos, estas dos últimas (de 1962) basadas en un mismo programa y utilizando un ordenador IBM 7090.
En 1966 fundó en París el Centre d'Études de Mathématique et Automatique Musicales (CÉMAMU), y en 1974 ideó un ordenador llamado UPIC (Unidad Poliagógica Informática del CÉMAMU) que constituye un instrumento de composición accesible a todo el mundo, con el que se compusieron Mycènes (1978) y Voyage absolu des Unari vers Andromède (1989).
Otras de sus obras son Pithoprakta (1955-1956), Duel (1959), para dos orquestas y dos directores, Polla ta dhina (1962), para coro de voces infantiles y orquesta, Eonta (1964), Akrata (1964-1965), para 16 instrumentos de viento, Oresteïa (1965-1966), Terrêtektorth (1965-1966), para 84 intérpretes diseminados entre el público, Nomos alpha (1966), Medea (1967), Nomos gamma (1968), para gran orquesta, Nuits (1968), sinfonía vocal, Antikhton (1971), ballet para orquesta y micrófonos, Persepolis (1971), para cinta magnetofónica, Eridanos (1973), Cendrées (1974), para coros y orquesta, À Hélène (1977), Kottos (1977), para orquesta de cámara, Mists (1981), Akea (1986), Kyania (1990), etc.
Se interesó también por la electroacústica (Diamorphoses, 1957) y creó varios espectáculos multimedia (Polytope, 1967; La Légende d'Eer, 1977, con flashes electrónicos y rayos láser). Es también autor de varios textos teóricos, como Musiques formelles (1963), Vers une métamusique (1967), Vers une philosophie de la musique (1968) y Espace musical, espace scientifique (1986).
domingo, 12 de junio de 2016
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 72 - ESPECIAL LUCIANO BERIO
Luciano Berio (Imperia, 24 de octubre de 1925 - Roma, 27 de mayo de 2003) fue un compositor italiano clásico y uno de los principales representantes de la vanguardia musical europea. Es reconocido por su trabajo en la música experimental, particularmente su Sinfonía para orquesta, y también fue un pionero en la música electrónica.
domingo, 15 de mayo de 2016
PODCAST BAJA FRECUENCIA RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 71 - ESPECIAL ANTONI ROBERT GADEA
Programa monográfico dedicado a la obra del artista catalán ANTONI ROBERT GADEA, del que escucharemos dos de sus últimas obras:
Hidden Pattern #1. Este trabajo es el resultado de procesar una grabación de campo realizada en un lugar aparentemente en silencio. Mediante amplificación y otros efectos patrones de sonido ocultos afloran a la superficie. No he utilizado instrumentos, sino solamente los sonidos capturados en la grabación de campo. En un momento dado empecé a percibir algo que podía ser interpretado como cierto tipo de voces espectrales de fantasmas de otros mundos. Para visitar a estos fantasmas y grabar sus voces y cantos imaginé un viaje a través de un agujero de gusano, experimentando la contracción espacio-tiempo relativista y el flujo cuántico a través de multiples dimensiones conectadas por túneles dificiles de imaginar. Bajas frecuencias resonantes y altas frecuencias agudas pondrán a prueba la resistencia de tus altavoces y de tu oido. Tenlo en cuenta. Todavía estoy asombrado de que en cualquier grabación puedan haber escondidos cantos de fantasmas. Descubrirlos es solamente cuestión de cavar más y más a fondo, hasta encontrar la puerta de la percepción.
Seven Berlin S-Bahn Stations On The Way To Listen To Achim. En septiembre de 2015 asistí al Life Lines Festival dedicado a Hans-Joachim Roedelius. Desde mi hotel cerca de la estación de Ostkreutz hasta el lugar de los conciertos cada día tomaba el metro y cruzaba 7 estaciones. Era como un ritual. Sin saber por qué, empecé a realizar grabaciones de campo. Durante el dia en las calles de Berlin, y por la noche fragmentos de los conciertos y del ambiente sonoro en el interior de la instalación homenaje “To Achim” de Brian Eno, una habitación oscura con 81 velas. El ambiente sonoro dentro de la instalación consistía en unas pocas notas obtenidas de discos de Roedelius y organizadas en una especie de drone continuo por Brian Eno. Una vez en casa me di cuenta de que podía hacer una especie de homenaje personal para Achim utilizando estas grabaciones de campo. Se oyen sonidos del metro, personas hablando, musicos callejeros, campanas y otros sonidos. En el último track utilizo notas de Achim del festival, seleccionadas y combinadas para crear tres atmosferas diferentes. La primera para evocar la atmósfera relajante dentro de la habitación oscura, la segunda centrada en notas de teclados electrónicos y la tercera y más larga alrededor de unas pocas notas de un piano de cola. Este es mi homenaje para Roedelius.
miércoles, 18 de noviembre de 2015
domingo, 27 de septiembre de 2015
martes, 15 de septiembre de 2015
lunes, 27 de julio de 2015
PODCAST PROGRAMA 62 BAJA FRECUENCIA RADIO P.I.C.A. - DIETER MOEBIUS
Dieter Moebius (San Galo, 16 de enero de 1944 - 20 de julio de 2015) fue un músico suizo-alemán, conocido por su participación en el dúo Cluster y por una vasta gama de colaboraciones con otros músicos, además de su carrera como solista.
Moebius estudió arte en Bruselas y Berlín, donde conoció a Hans-Joachim Roedelius y Conrad Schnitzler, con los que fundó la banda Kluster en 1969. Tras la partida de Schnitzler en 1971, el ahora dúo cambió su nombre a Cluster. Años después, y de forma paralela a su trabajo en Cluster, Moebius y Roedelius fundaron la banda Harmonia con Michael Rother de NEU!. Tanto Harmonia como Cluster tuvieron colaboraciones posteriores con el inglés Brian Eno.
Paralelamente, desde los ochenta, Dieter Moebius se involucró en numerosos proyectos con músicos como Conny Plank, Mani Neumeier de Guru Guru, además de desarrollar una carrera solista que comenzó con Tonspuren en 1983.
En noviembre de 2007 realizó una gira junto con Michael Rother, en la que Harmonia se reuniría el 27 de noviembre en un concierto en la Haus der Kulturen der Welt, en Berlín, presentándose en vivo por primera vez desde 1976.
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PODCAST PROGRAMA 61 BAJA FRECUENCIA RADIO P.I.C.A. - FRIPP & ENO
Constituye la primera colaboración entre Brian Eno y Robert Fripp, grabada en tres sesiones. La primera está fechada el 8 de septiembre de 1972 y la segunda y tercera el 4 y 5 de agosto de 1973 respectivamente. De la primera sesión se extrae el corte "The Heavenly Music Corporation", una manipulación del sonido de guitarra improvisado de Robert Fripp a través de dos magnetófonos Revox que se retroalimentaban mutuamente. El segundo corte, Swastika Girls utiliza la misma técnica pero con un mayor refinamiento y la introducción de sintetizador por parte de Brian Eno.
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PODCAST PROGRAMA 60 BAJA FRECUENCIA RADIO P.I.C.A. - TERRY RILEY
Terry Riley (Colfax, California, 24 de junio de 1935) es un compositor musical estadounidense asociado al minimalismo.
Nacido el 24 de junio de 1935 en Colfax (California). Cursa en la Universidad de San Francisco (Shasta College) y en el Conservatorio de San Francisco. Más tarde ganaría un premio de composición en la Universidad de California, Berkeley. Comenzó con una educación musical formal pero pronto se sintió atraído por la música de John Cage, los experimentos de La Monte Young, las improvisaciones del jazz y la música clásica del norte de India. Siendo su influencia más notoria la de su profesor Pandit Pran Nath, un maestro de Cante Clásico Indio, que también enseñaría a La Monte Young y Maria Zazeela. Riley realizó numerosos viajes a la India para el estudio de la rítmica de varios instrumentos musicales como la tabla, tambura y voz.
Su obra más conocida es In C, compuesta en 1964, donde se revela sobre todo la influencia de su colaboración con La Monte Young y el grupo Fluxus en Nueva York, así como el trabajo que realizó en los estudios de Radio France con grabaciones en cinta. Inspirado en la experimentación con el desfase, la superposición y la repetición de sonidos grabados, Riley estructuró la música de In C a partir de 53 frases musicales o módulos de diversa longitud que cada intérprete puede repetir libremente sobre un pulso constante en la nota Do. Sin embargo, hay procesos indeterminados en las repeticiones y en la manera que los intérpretes las ejecutan, por lo que el resultado final es una compleja e impredecible red de cánones, polirritmias y énfasis armónicos. y también en los énfasis de la música contemporánea.
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domingo, 14 de junio de 2015
sábado, 16 de mayo de 2015
miércoles, 11 de marzo de 2015
domingo, 1 de febrero de 2015
PODCAST PROG. 52 DE BAJA FRECUENCIA EN RÀDIO P.I.C.A.: ESPECIAL 32 GUAJAR'S FARAGÜIT
Mario Ruiz, barcelonés y de nombre artístico "Sorollsec", era 32 Guajar's Faragüit.
La suya era una ritualidad rítmica, repetitiva y drónica, estructuralmente cercana a la de Esplendor Geométrico y los SPK más contundentes, aunque formalmente tratada con sonoridades menos metálicas y un mayor número de acotaciones melódicas que lo distanciaban del salvajismo tribal de los de Arturo Lanz.
Toda su discografía esta basada en cintas de cassette.
Tras una demo grabada en 1983 del mismo título que el del grupo, en 1984 aparece su primera referencia editada por Ortega y Cassette, conocida como 'Antilogia Vocevérsica', una cassette de texturas sónicas, ambientes tribales y paisajes abstractos cuidadosamente preparada para ofrecer sensaciones únicas al oyente. Los temas fueron 'Vox ignoratia/Ignoratia vocis', 'Cáceres zoofílica', 'Siameses & Wolframio (S)', 'Siameses & Wolframio (W)', 'Transuretra Express' y ' Dotaciones trisómicas'.
En 1985, y a través del sello de creación propia Sorollsec, aparece una nueva entrega compuesta por cinco temas, que tituló como 'Crom 48': 'Extroduccio', 'Poker de ausencias digitales', 'Filmusical Ionouisitorial', 'Abscesible' y 'Renatal Postbeck3675'.
Esplendor Geométrico Records lanza ese mismo año un split recopilatorio con cuatro grupos de la floreciente música experimental electrónica minimalista barcelonesa con Avant-Dernières Pensées, Melodinamika Sensor, Camino al Desván y, por supuesto, 32 Guajars Faragüit, que incluyen 'Internnoia', Preterpret' y 'Melanges 4 &5'.
El mismo sello, propiedad del grupo madrileño con miembros escindidos de Aviador Dro, de idéntico nombre, vuelve a registrar una nueva cinta bajo el tíulo 'Programarrax' en 1986 con ocho nuevas sintonías con el más puro sonido minimalista industrial de los barceloneses: 'Rutinas de ajuste', 'Spots A/B/C', 'Billonio neomático', 'Spots B/A/C', 'Despasajes', 'Spots A/C/B', 'Expeler + Solvent' y 'Ultimátum 3 y cierre'. Esta tape es reedita en 1989 por Línea Alternativa con la misma composición.
Para finalizar, 32 Guajars Faragüit incluye 'Theobromania' en la serie C-1 'Usa el autoreverse' (en la que también se vieron editados personajes como Anton Ignorant o Rafael Flores) editado por Grand Mal Edicions en 1986. Esta cassette llevaba dos temas largos sin título.
En 2013, el tema 'Transuretra Express' es incluido en el triple Cd que formó parte del disco-libro editado por Munster Records, obra del periodista Jaime Gonzalo, de título 'La ciudad secreta', un compendio histórico musical de lo que fue el rock experimental en Barcelona encuadrado entre 1971 y 1991.
BAJA FRECUENCIA - RÀDIO P.I.C.A. - PROGRAMA 52: MONOGRÁFICO 32 GUAJAR'S FARAGÜIT by Stahlfabrik Josep Maria Soler on Mixcloud
lunes, 19 de enero de 2015
PODCAST PROG. 51 DE BAJA FRECUENCIA EN RÀDIO P.I.C.A.: ESPECIAL RAYMOND SCOTT
La música de Raymond Scott es uno de los sonidos más revolucionarios del siglo XX. Raymond comenzó haciendo jazz en los años 30. Con su grupo, The Raymond Scott Quintet, revolucionó las listas de éxitos mientras los sesudos críticos lo despreciaban por su osadía de hacer una música con humor. El sonido de Scott era sin duda difícil de catalogar, algo entre el jazz y el pop con una estructura anárquica e inesperados giros de ritmo. Tan distinta era la música de Scott que fue la banda sonora predilecta de los dibujos animados de la Warner, quienes adaptaron a Scott en 120 cortos de Bugs Bunny, el pato Lucas y otros personajes. Scott siguió sonando en dibujos como Rem & Stimpy o los Simpson. El mundo irreal de los dibujos animados era el mejor escenario para la locura de la música de Scott, quien solía titular sus temas con extravagantes nombres como Dinner Music For a Pack of Hungry Cannibals (Música de Cena Para una Manada de Caníbales Enfadados) o New Year's Eve in a Haunted House (Año Nuevo en una Casa Encantada). El estilo aparentemente enloquecido de Scott era todo lo contrario, lo que él llamaba jazz descriptivo reducía al mínimo la improvisación. Esto significaba en la práctica que Scott veía a sus músicos como meros instrumentos que le posibilitaban hacer música, y los tiranizaba, haciendo repetir y ensayar hasta conseguir lo que él pretendía. Perfeccionista hasta la extenuación y un tirano en potencia, los músicos no aguantaban mucho en su grupo y salían echando pestes de él. En aquel entonces era compositor, director de orquesta y pianista, pero se había encontrado con un leve estorbo en su camino a la perfección, sus músicos eran humanos y pensaban por sí mismos.
Pronto pudo subsanar este ligero inconveniente, sustituyendo a sus músicos por máquinas. Scott se convirtió de esta manera en uno de los pioneros de la música electrónica en los años 50 y 60, además de ingeniero e inventor. Scott inventó un reloj con alarma con voz, alarmas, sirenas y timbres, joyas electrónicas, cocteleras electrónicas, juegos electrónicos para niños y adultos, pero sobre todo dedicó su inspiración a la invención de instrumentos que posibilitaran a su música llegar a donde los humanos no parecían poder llevarla. Entre los instrumentos que inventó destaca el Clavivox, un primitivo sintetizador, el Electronium, que era una máquina capaz de componer música secuencial, la Videola, que le permitía componer música sincronizada con imágenes en movimiento, el Karloff, que generaba efectos de sonido... todos estos instrumentos hicieron que Scott se centrara a través de su empresa Manhattan Research Inc. en la composición de música electrónica para empresas. De este modo Scott se centró en la publicidad como salida para su música, aunque editó algunos discos, tres de ellos dedicados a bebés, con música electrónica minimalista pensada para estimular a los pequeños. Scott se volvió cada vez más hosco y receloso hacia otros músicos, con la obsesión de que todo el mundo quería robarle sus ideas y su música. En lugar de abrirse a compartirla prefirió encerrarla en su enfermiza y genial cabeza. Todo esto no le impidió colaborar con un joven Jim Henson, antes de que éste se hiciera mundialmente conocido con sus Teleñecos, componiendo música para sus cortos experimentales. También trabajó para el fundador de Motown Records, Berry Gordy, cuando éste le contrató para que se encargase de la división electrónica de la compañía. La música de Scott, tanto en su etapa de jazz experimental, como en su faceta de inventor y pionero de la música electrónica, es un capítulo apasionante del pasado siglo, y Scott es un claro precedente de genios como Frank Zappa o Devo. Incluso podríamos invitarlo a cenar, arriesgándonos a su despotismo, pero creo que nos habría dado plantón y se habría quedado frente a una de sus máquinas raras inventando nuevos ruidos.
BAJA FRECUENCIA - PROGRAMA 51 - 8 ENERO 2015 - MONOGRÁFICO RAYMOND SCOTT by Stahlfabrik Josep Maria Soler on Mixcloud
martes, 16 de diciembre de 2014
PODCAST PROG. 50 DE BAJA FRECUENCIA EN RÀDIO P.I.C.A.: ESPECIAL JAVIER PIÑANGO
Javier Piñango (Madrid, 1962) es director del festival internacional de música experimental Experimentaclub y del proyecto de difusión y promoción de música experimental del mismo nombre (www.experimentaclub.com). Además es co-director del proyecto iberoamericano de intercambio artístico y cooperación cultural Experimentaclub LIMb0.
Lleva ya más de veinticinco años trabajando en la escena sonora de vanguardia española desde diferentes frentes: como músico, programador cultural, creador de sellos discográficos, periodista musical, etc. En 1989 creó el sello discográfico Triquinoise Producciones junto a Jaime Munárriz y Esther Berdión. Más tarde, ya en 1992, fundaría el sello Por Caridad producciones (junto a Ajo y Javier Colis), siendo entonces también uno de los responsables de la publicación Noise Club.
Experimentaclub es una plataforma creada en el año 2000 encaminada a la difusión de todas las vertientes de la música experimental y otras manifestaciones artísticas afines: electrónica, arte sonoro, ruidismo, improvisación, apropiacionismo, poesía fonética, arte audiovisual, etc. Entre sus actividades hay que destacar especialmente el festival internacional Experimentaclub, de carácter anual y ya con diez ediciones celebradas. También Experimentaclub funciona como net-label a través de su sello exp_net.
Como músico Javier Piñango formó parte a finales de los 80 y primeros 90 de Cerdos (blues electrónico industrial) y más tarde, en 1992, fundó junto a Ajo y Javier Colis Mil Dolores Pequeños (con los que grabaría tres álbumes) y en 1994 Destroy Mercedes (electrónica y psicodelia) junto a Jaime Munárriz, editando dos CDs en 1996 y 1997 respectivamente. En 1999 crea Druhb, también junto a Jaime Munárriz, proyecto electrónico con el que edita en 2002 un primer CD bajo el título de "Cone Of Silence" (Geometrik). Ya en 2005 editaron en Hazard Records un nuevo CD presentando el soundtrack que diseñaron especialmente en 2004 para un nuevo montaje audiovisual a partir de la película de Fritz Lang "Doctor Mabuse". También en Hazard Records publicaron "Mirador bbaa ssion". Su último trabajo publicado como Druhb es "Variationen" (exp_net) en 2007.
Javier Piñango forma parte también del dúo Ankitoner Metamars, junto al ex-cantante de Superelvis Anki Toner, con dos discos editados hasta la fecha: "Ankitoner Metamars" (G3G Records, 2008) y "Who Cares?" (Autoreverse, 2009). Además compagina este proyecto con otro bajo el nombre de Klang!, junto al argentino Jorge Haro.
Desde 2010 trabaja en solitario bajo el título genérico de i.r.real con varios trabajos publicados: "i.r.real . uno" (finales de 2010), "i.r.real . dos" (mayo de 2011), "i.r.real . tres" (diciembre de 2011), los tres en exp_net; "i.r.r_soma" (mp3 single, Micro Ediciones, Fuga Discos, Buenos Aires, 2012), "i.r.real metal music" (Hazard Records, 2012) y ya en 2013 "i.r.real space music" (Audiotalaia). También ha publicado recientemente "tRAVEL", disco junto al guitarrista e improvisador David Paredes (Hazard Records, 2013).
Por otra parte en 2012 inició un nuevo proyecto de colaboración junto a Edu Comelles llamado Rally!, con un primer disco en exp_net publicado en junio de 2012 y un segundo trabajo a comienzo de 2014 llamado "BullDozer" (suRRism-Phonoethics).
En otoño de 2014 se publica el sexto volumen de i.r.real: "i.r.real 6: transcontinental electronic flight" (Audiotalaia).
PODCAST PROGRAMA BAJA FRECUENCIA RADIO PICA. PROGRAMA NÚM 50: ESPECIAL JAVIER PIÑANGO by Stahlfabrik Josep Maria Soler on Mixcloud
PODCAST PROG. 49 DE BAJA FRECUENCIA EN RÀDIO P.I.C.A.: SYNTH SURFERS ENSEMBLE
El ensamble Synth Surfers es una orquesta de sintetizadores, instrumentos electrónicos y dispositivos móviles que se propone como un espacio musical multidimensional para explorar algunas de las posibilidades del arte sonoro contemporáneo a través de composiciones, re-versiones, sets de improvisación y canciones.
Fundada en Buenos Aires en 2014 por sus ocho miembros -Alejo Eremita, Dolores Visentini, Ernesto Romeo, Francisco Rehmann, Luciano Pennini, Mariano Iglesias Aramburu, Melisa Blomberg y Nicolás Aimone- cada uno de los integrantes de la la agrupación Synth Surfers opera como una “pequeña unidad multifuncional” y hace su personal aporte para una combinación musical donde confluyen, por ejemplo, elementos del minimalismo electrónico, el psy-trance, el ambient, el synth pop, la música atonal, el house o el espectralismo en función de la creación de una multiplicidad de paisajes sonoros, profundizando a través del trabajo en conjunto en las posibilidades de la orquestación electrónica por medio de sintetizadores, secuenciadores, baterías electrónicas, procesadores, samplers, voces, percusiones, ordenadores, controladores, etc.
Parte de las actividades del ensamble Synth Surfers incluyen también el dictado de talleres, seminarios y clínicas sobre interpretación en vivo y composición grupal con medios electrónicos, síntesis sonora, MIDI y programación.
PODCAST PROGRAMA 49 DE BAJA FRECUENCIA DE RÀDIO PICA: ESPECIAL SYNTH SURFERS ENSEMBLE by Stahlfabrik Josep Maria Soler on Mixcloud
miércoles, 19 de noviembre de 2014
PODCAST PROG. 48 DE BAJA FRECUENCIA EN RÀDIO P.I.C.A.: JORGE MARREDO
Jorge Marredo se va convirtiendo en una de las figuras más originales y reconocidas del panorama sonoro nacional menos convencional, pese a su reticencia a ser etiquetado o clasificado.Marredo es capaz de hacer discos de flamenco-noise, de realizar temas usando exclusivamente el sonido de orgasmos, de hacer conciertos para mirar a las nubes o de sorprender a su audiencia con mantras sonoros deudores del mejor minimalismo. En la noche del próximo sábado podremos disfrutar de nuevo de su directo tras su soberbia actuación en el Festival Moradas de La Alcazaba de Almería, con el añadido de presentar "Dikr", su nuevo disco de inminente edición en el sello/netlabel/sociedad mistérica Gruppo Ungido. Sin duda Dikr, marca un punto de inflexión en la carrera de este músico extremeño afincado en Valencia. Por primera vez nos encontramos con un trabajo "sin ruidos" o estridencias aparentes, lo cual no significa que no haya experimentación, al igual que el Zuckerzeit de Cluster, este Dirhk supone un cambio estético en la carrera de Marredo. Con este nuevo trabajo Marredo se vuelve a reinventar haciendo un disco de sintetizadores, muy distinto de sus otros trabajos sintetizados como "Synthscapes" y "Uéyiga", así mismo es la primera vez que escuchamos "melodías" o frases musicales en uno de sus discos. Lo primero que nos llama la atención es la apuesta clara por la música repetitiva, como bien se puede apreciar en la primera parte del trabajo que fue grabada en el Alcazaba de Almería en el Festival Moradas. http://satisfaccionlab.blogspot.com.es/ http://moradasonica.blogspot.com.es/ http://laoficinacultural.org/ http://gruppoungido.net/
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